Allí estaba: una escultura audiovisual de varias pantallas que reproducían en bucle flores en time-lapse, apoyada sobre patas de acero inoxidable y atravesada por cables como un sistema de raíces al descubierto. Con ‘The Secret Life of Flowers’ de Julieta Tarraubella, todo el stand de Rolf Gallery en Paris Photo 2025 se había transformado en una especie de jardín cíborg, un atisbo de cómo podría ser admirar la naturaleza en un futuro lejano.
Rodeada de obras impactantes de IA y visuales basados en datos en la sección digital de la feria, la exploración de nuevas tecnologías creativas de Tarraubella, que desarrolla desde 2018, resultaba singular y, quizá, un poco excéntrica. La flor es una participante activa en esta instalación. Observada a través de un dispositivo, vigilamos su floración mediada y su declive gradual. Es la representación de un proceso que es a la vez orgánico y una visión controlada, generada por una cámara, una pantalla, una técnica y, en última instancia, un ser humano.
Parte de la obra parece especulativa. ¿Y si nuestras conductas destructivas moldean la naturaleza? ¿En qué se convertirá nuestro entorno futuro? Pero Tarraubella aclara enseguida que su trabajo está anclado en el presente. Para la ganadora del Premio de la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, su obra pone de manifiesto una violencia visual incrustada en nuestro mundo mediado, excesivamente digital y vigilado. También reflexiona sobre la performatividad normalizada que se nos pide mantener, consciente o inconscientemente, en un estado de observación constante. Más que una advertencia ecológica, sus obras multimedia son una advertencia social. Piden, dice, una mirada más amable entre nosotros.
Tras su presentación en Paris Photo a principios de este mes, The COLD Magazine habló con Tarraubella sobre medio ambiente, tecnología y el futuro de nuestra existencia compartida.
The COLD Magazine (CM): ‘The Secret Life of Flowers’ reúne naturaleza, tecnología y mito. ¿Qué despertó este ecosistema híbrido en tu imaginación?
Julieta Tarraubella (JT): Todo empezó porque me preguntaba por la energía residual que guardan nuestros cuerpos como consecuencia de estar expuestos a la presencia constante de cámaras. No me refiero solo a los sistemas de vigilancia, sino también a las lentes que siempre nos rodean: nuestros teléfonos, ordenadores, satélites y las que pertenecen a otros. Por eso adoptamos un elemento de actuación. Empecé a preguntarme: ¿cómo puedo hacer visible ese fenómeno? ¿Cómo puedo percibir y registrar ese efecto invisible?
CM: ¿Puedes contarnos qué inspiraciones dieron forma a este proyecto?
JT: Me inspiraron los experimentos de Masaru Emoto, en los que básicamente estudiaba el ‘comportamiento’ y la formación de los cristales de agua. En resumen, tomó muestras de agua de distintas ciudades y observó que las expuestas a entornos más felices y positivos formaban cristales extraordinarios. Las que atravesaban contextos intensos o duros no se desarrollaban tan bellamente como las demás. Si los seres humanos somos un setenta por ciento agua, nuestros cuerpos deben de cargar y canalizar las energías que nos rodean.
Como artista que trabaja con la lente, también pensé en la influencia que generan los dispositivos en nuestros cuerpos. Quería crear la experiencia de registrar un ciclo de vida completo bajo los efectos de ser observado las 24 horas del día. Pero para ello necesitaba un ser vivo. Como los humanos no eran sujetos viables y los animales no me interesaban, me incliné por la naturaleza, en concreto por las flores. Siempre me ha encantado su compañía, mientras florecen y mueren.
CM: ¿Cómo se desarrolló ‘The Secret Life of Flowers’ a partir de ahí?
JT: Al principio, estas videoesculturas eran sistemas más frágiles. Trabajando con la falta de recursos en Argentina, hacía quizá dos o tres piezas al año, al ritmo de las estaciones. Cuando empecé a trabajar con la galería Rolf Art, se abrió la posibilidad de crear un jardín de flores en un espacio más amplio, junto con una mejora de la infraestructura técnica. Empecé a grabar flores, desde el capullo hasta que perdían los pétalos, con un circuito cerrado de tres a cinco cámaras de seguridad. La duración variaba según el tipo de flor, el proceso de marchitamiento y lo que yo sentía al respecto. Edito el material de cada cámara y lo ensamblo como un mosaico en una videoescultura, reconstruyendo la vida de las flores en forma y en tiempo.
CM: Tu proceso integra herramientas digitales de forma muy deliberada. ¿Cómo decides qué usar?
JT: Me interesa dar cuerpo a la fotografía y al vídeo, sacarlos de su bidimensionalidad. Para la serie empecé a trabajar con cámaras de vigilancia porque la idea de la grabación constante era fundamental: una cámara persistente sobre un sujeto vivo. Para la composición de las videoesculturas me inspiré en los centros de vigilancia de los años 80 y 90, en los mosaicos portugueses y griegos y en las pinturas de Gino Severini. Quería usar varias pantallas para reconstruir un sujeto a lo largo del tiempo: reunir la multiplicidad de miradas, dar cierto volumen a las piezas y, sobre todo, la idea de la alteridad del tiempo. Más allá de eso, me interesa dar cuerpo a la fotografía y al vídeo, sacarlos de su bidimensionalidad.
CM: Tu obra suele difuminar la frontera entre lo orgánico y lo inorgánico, lo natural y lo humano. ¿Cómo influirá esta tensión en el futuro de la fotografía digital como medio?
JT: Intento crear un encuentro con la belleza de la vida mediado por la frialdad constante de la tecnología. Somos humanos con esperanzas, sueños y amor. Nos guste o no, somos seres espirituales que viven en un presente intenso y áspero, dominado por la tecnología fría, la mediatización cínica, el hormigón y el metal. La fotografía digital, o ‘Soft-Photography’, como yo la llamo, tiene la responsabilidad de recordar que, incluso trabajando con medios numéricos en bruto como el CGI y la IA, nuestro deber como creadores es conectar con los sentimientos humanos, con nuestra espiritualidad y nuestra ternura. Debemos usarla para fomentar la unión humana en medio de todo este caos eléctrico.
CM: ¿Cómo te relacionas con las convenciones de la fotografía de bodegón? ¿Fuerzas o cuestionas sus enfoques tradicionales?
JT: La fotografía tradicional hereda de la pintura la idea de fijar un único momento: el deseo de detener el tiempo y poseer un fragmento de vida. Mi proyecto continúa esa genealogía, pero la extiende a lo largo de múltiples duraciones en lugar de comprimirla en un solo encuadre. Me interesa lo que se hace visible cuando acompañas al mismo cuerpo durante todo su ciclo de vida. La forma en que se presentan las videoesculturas, con cables, pantallas y marcos a la vista, lleva la obra de la contemplación a una imagen tecnológica y consciente de sí misma. Las flores no son solo un motivo. Existen dentro de un dispositivo de observación que expongo de forma intencionada. En ese sentido, la obra dialoga con la fotografía clásica al volver a plantear sus preguntas esenciales: ¿quién mira? ¿Qué intentamos suspender en el tiempo? ¿Qué efectos tiene esta mirada persistente e intensa?
CM: De cara al futuro, ¿cómo imaginas la evolución de tu práctica? ¿Hay nuevos territorios que tengas ganas de explorar?
JT: Estoy desarrollando dos proyectos nuevos. Uno se llama ‘Archaeology of Birth’. Con una mezcla de IA y mi archivo familiar personal, revisita Miculla, el yacimiento arqueológico cercano a Tacna, en Perú, donde nací. También trabajo en una serie de fotoesculturas que investigan el efecto de la propaganda de mejora corporal.
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